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图像无处不在。然而，为何有些图片能得到成千上万个点赞，甚至成为视觉文化的标志性坐标，有些则不会，图像是如何俘获、惊艳、催眠我们的？杰出的设计理论家里卡尔多·法尔奇内利采用了 不同于以往艺术书籍的范式，将文艺复兴的绘画与库布里克的电影放在一起，将抽象艺术与当代广告作对比，解释了图像是如何被设计、创造的，以及背后的原因。

一 空间

正中央的力量

外围的吸引力

二 形

矩形的胜利

黄金矩形与工业比例

金色心理边框

深渊迷雾

三 感知

印象派的手臂

门与肖像画

意外访客

四 机制

路、布、刀、

树的推力

焦点的发现

五 拓扑结构

重力来自观看者的眼睛

天使与恶魔的方向

关于对角线的许多争论

六 构图

盆盆罐罐的形而上学

总体观感理论

地平线规则

希区柯克的天平

小鹿需要空间

记者的膝盖

七 媒介

面孔的尺寸

剪刀的审美感知

斗牛士的命运

如何构建“天堂”

注释说明

图片索引

参考书目

人名索引

里卡尔多·法尔奇内利（Riccardo Falcinelli）1973年出生平面设计师，设计理论家在伦敦中央圣马丁艺术与设计学院学习后，毕业于罗马大学意大利文学专业。曾为意大利多家出版社策划和设计书籍。自2012 年起，在罗马工艺美术高等学院教授感知心理学。

  其著作《视觉设计的便携式批判》令人将其视为对当今设计 独特理念的人物之一。

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在透视法出现之前，几千年来，画面上的重要景物在尺寸上总是 大；而在透视法中，景物的尺寸 取决于它与消失点之间的距离。也就是说，中世纪的画从神学角度考虑，圣母 加重要，因此画中圣母会比其他圣人尺寸 大；但是，在文艺复兴时期的绘画中，与观众距离越近的，尺寸就越大，就像照片中的情况。

    透视这项发明极为成功，没过多长时间，它就成了思考图像的 方式。人们觉得这种方式 加自然、 令人信服、 加科学。不过，回首往事就会发现，透视机制其实也带有文化色彩， 非中立。“站在画前，就像站在窗前”，这个要求本身已经包含了意识形态层面的内容， 不可低估。为了解释这一点， 的例子莫过于戏剧。

    1545 年，建筑师、理论家兼作家塞巴斯蒂亚诺·塞利奥（Sebastiano Serlio）根据透视原理订立了舞台天幕的制作规则，该规则一直沿用至19 世纪。

    之前已经说过，透视体系假设消失点与观察点相对应。但是，在剧院中，只有一个点能符合要求。这个点不在池座区、不在楼座顶层，也不在台侧包厢。它在楼座区中央主包厢。只有在这个高于地面的中央点上，天幕的视觉错幻才 为逼真。能坐在这里的，当然也是 重要的观众，如某位亲王。总之，想要 限度地享受此类布景，必须与它保持特定角度；这样的人，要么是社会名流，要么能挥金如土。可见，利用透视法来再现真实世界，这种手段本身并不具有中立或自然属性。在现实生活中，人们观视时使用两只眼睛，而不是一只。而透视这种人造机制，其视觉效果基于单眼所见，因此必须对观察者的目光进行高低等级区分。所以我们说，透视是一台文化机器，是诠释事物的一种方法。欧文·潘诺夫斯基（Erwin Panofsky）在1930 年的一篇 论文中将透视称为一种“象征形式”。用现代话语来解释，可以将透视视为一种媒体，它站在特定立场上，传达特定信息。这信息也包括：某些观众比其他人 重要。

    透视机制看上去老旧过时，但其实并非如此。与任何领域一样，关键在于如何使用。1938 年，20 世纪 杰出的摄影师之一多罗西娅·兰格（Dorothea Lange）巧用一点透视表现电流。电线杆被幻化成工业时代的图腾，给人带来既震慑不安又熟悉温馨的感觉。观察这张照片，电线与消失线重合，甚至可以说，电能本身划出电线的痕迹，冲向照片中间。像是铁轨，疾驰的列车不给人下车的可能。这就是乡村世界为进步付出的代价。

    如果我们把“尽可能接近人眼所见”当作标准，那么，毫无疑问，人类迄今为止发明的呈现体系中， 的就是透视。也许有人要问，为什么之前数千年里人们不需要透视？其实，这个问题的答案与“为什么美索不达米亚文明没有发明电影”是一样的。而我们之所以会有这样的疑问，是因为现在已经无法想象，缺少“逼真”图像的生活会怎样。不过，我们必须厘清历史的先后顺序：文艺复兴时期，发明了透视绘图法，奠定了当今观视角度的基础。在此基础上发展出来的摄影术，成了我们脑海中的图像标准。于是，回看历史，在我们眼中，15 世纪的绘画比之前的拜占庭圣像画 加接近真实世界。

    此外，每一种文化都有自己的工具，需要通过这些工具来展现自己的世界观。新工具的出现，也会导致世界观发生变化。透视原理也是如此，前后涉及一系列事件。在欧洲，特别是意大利，自中世纪后期以来，教宗和皇帝不再独享权力，新兴商人和银行家阶级要求拥有自己的文化空间，于是开始大力赞助艺术。他们心态务实，看待世界的方式也是如此。对“逼真”的渴望很可能源于这一历史局势。如果想要还原具体、逼真、可期的现实世界，透视无疑是理想方式。

    但是，除这一假设之外，透视法的出现可能还与其他一些关键史实有关。 个千年之际，一些探讨光学问题的书籍已经由中东传入，主要是海什木（Ibn al-Haytham）关于人眼内部投射成像的一些想法。正是他 早明确提出了光线可视理论。自那时起，视觉原理成为科学讨论的中心。12世纪末发明了眼镜，放大镜得到普及，人们能够通过滤镜来观察事物。这一情形可能引发了关于“观视”动作本身的一系列实践与哲学思考。此外还有一点：14 世纪末，私人建筑开始使用玻璃窗。玻璃窗很新潮，也是 品。即便到了16 世纪，人们也只会在 重要的房间里使用它。如果主人长期离家，就会把玻璃取下来妥善保管。总之，在几个世纪的时间里，欧洲日常生活中出现了多种光学装置，它们改变了人们观看世界、思考世界的方式。

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稍微研究一下裸体画就会发现，大多数男性裸体画采用站姿，而女性裸体画则多为卧姿。因此，男性裸体画大多为竖向，女性则大多为横向。

在历史层面上，可以从委托人一方找到原因。多个世纪以来，委托人主要是男性。于是，他们在委托绘制男性裸体画的时候，会要求展现力量感、英雄主义，也就是委托人本人认同的价值观；在委托绘制女性裸体画的时候，则会将画中人视为猎物，视为可以享用的性欲对象。画中人因站姿而主动，因卧姿而被动，这里的主动和被动，既有其表面含义，也有引申比喻。画中的女人通常在睡觉，或者望向别处，这个细节也并非偶然。她们并不知道正在被人观视。而能够主宰局势的，恰恰是偷看的人。偶尔画中也会出现卧姿男性裸体。此时，他要么死了，要么暗含同性恋含义。

“正中央”是特定历史时期的一种习惯，不过其基础则是一种心理倾向。例如，在研究儿童画时，人们发现，孩子往往从纸张中间开始涂画，很少在纸边上画画。事实上，在纸边上画画的情形，可以被当作心理问题的征兆；选择外围区域这一行为，似乎象征了内心世界的边缘化倾向。但这样一刀切的做法也有危险：要知道，大多数孩子的确会从中间开始画，但他们也是在精确规则的引导下才产生了空间这一概念。A4纸并不是大自然的产物，当我们将一张纸放到孩子面前时，已经是在把他往文化束栏里推。想象一下，如果没有纸张、没有桌子，孩子会怎样画画？在沙滩或地面上涂画时，他还怎么去找正中央？他还会去找正中央吗？实际上，有一点相当值得思考：第一次给孩子纸的时候（通常在一岁以内），孩子会把蜡笔画得到处都是，纸上、桌上、手上；尽管有纸在，但孩子并没有感受到纸张边界的重要性。几个月大的孩子还不知道什么是视野，也不知道什么是边框。

其实，仔细想想，近些年间的某些做法与此类似。例如，20世纪70年代的戈达尔（Jean-Luc Godard）、90年代的拉斯・冯・提尔（Lars von Trier），都曾使用肩扛摄影的拍摄手法。摒弃三脚架、推轨、经典景框之后，在摄影中再加入一丝随机感，才能让现实更加“真实”。于是，图像中出现脱焦、重影效果，经常超出边框。所有这些手法，其最初的理论依据恰恰来自19世纪下半叶的那场绘画革命：以边框处切割为基础，产生了一个世纪之后捕捉真实感的摄像方式。德加、戈达尔、冯·提尔都反对旧有的形式主义构图。也就是说，反对学术派绘画和好莱坞电影。他们尝试用更加直接、真实的方式来呈现世界。

好事？坏事？能够肯定的是，效果截然不同。事实上，对比一下就能明显看出，面框的作用相当关键，绝不是中性或无关紧要的元素。筒言之。至少从感知角度来说，普桑的说法很有道理：圆框建立起国作与外界的关系。就像瓦萨里的凉廊，将风景变成了观视方式。画框是引导感知的关键机制。

（宽银幕的诞生）增加的空间不仅可以用于布景，还可用于对手戏。此时，人物面孔开始与虚景产生互动，为如今的流行品位奠定了基础。

于是，在对话场景中，演员会交替出现，一方出现在影格右侧，另一方出现在左侧，将对话转化为视觉对立。

有一点相当明显，但我们却经常忘记：图像是等待人们去观察的表面，所以，如果图像内部有一个类似于景框的物件，就会让“观看”这个动作的指向加倍。

书籍介绍

图像无处不在。

然而，为何有些图片能得到成千上万个赞，甚至成为视觉文化的标志，有些则不会？图像是如何俘获、惊艳、催眠我们的？

里卡尔多·法尔奇内利采用了完全不同于以往艺术书籍的范式，将文艺复兴的绘画与库布里克的电影放在一起，将抽象艺术与当代广告对比，解释了图像是如何被设计、创造的。

阅读这本书，仿佛进入了一流画家、导演、摄影师的工作室，深刻了解图像创作背后的秘密。

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编辑推荐：

★图像、视频创作者不可错过的宝典 焦点、构图、光线、大小、比例、色调……是什么决定了一个画面的成败。大量经典图像的对比案例，揭开图像创作的秘密。

★纵览千年图像史，寻找变与不变的创作规律 从洞穴壁画、油画、素描到照片、电影，再到广告、自拍，是什么造就了如今流行的图像和我们的视觉审美。当你拿起手机拍照时，你的心理和15世纪的人并无不同。

★进入现实中不可能存在的大师课 凡·高、塞尚、小津安二郎、斯皮尔伯格……阅读本书，仿佛进入古往今来一流艺术家的工作室，在对经典作品的分析中，学习大师的创作技巧。

★500张跨时代跨媒体的代表性图片，开启奇妙的艺术之旅 从提香的画作到杜嘉班纳的广告，从《最后的晚餐》到库布里克的《闪灵》，作者从绵延数千年的图像史中精选500张图片，引导读者在图像的历史中巡游，享受极致的视觉盛宴。

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读者评论：

伟大是唯一能想到的词。我发现多年来研究的概念与当代图像的使用有关。具体和超级有趣的相似之处，让我们能够更批判性地解读我们在社交网络上不断看到的图像。法尔奇内利是当代意大利最好的作家之一，文章清晰而不晦涩，有具体的例子，甚至有点讽刺意味。

一本激发想象力和创造力的书，在瞬息万变的世界里展示了一幅图像的方方面面，从艺术作品到Instagram上的自拍。这是一部关于图像的历史及其多重意义的杰作。

如果你对艺术、摄影、设计感兴趣或者只是有点好奇，这本书就是为你准备的。它的信息非常丰富，作者所举的例子都在书上，这样即使是新手也能跟着理解作者所表达的概念。我认为这本书绝对不能错过。

——亚马逊读者评论

一种凝视的简史，所有的视觉表达形式都在一起：壁画、油画、素描、照片、漫画、instagrams、剪报。里卡多·法尔奇内利知道如何使用准确的语言，插入有趣的历史轶事，并通过技术概念来完成他的写作。他是这个时代最优秀的写作者。

——GOODREADS读者评论